東京、4月に行くべき無料のアート展13選

「Akio Nagasawa Gallery Ginza」で、森山大道の個展が開催される。

本展のタイトル「Another Country in New York」は、1974年に開催された「森山大道プリンティング・ショー」で制作されたセルフパブリッシングの写真集『Another Country in New York』に由来する。同ショーは、1971年に森山がニューヨーク滞在中に撮影した写真をコピーし、その場で製本・販売するという、現在でいうZINEのような形式で行われた実験的なプロジェクトだった。

そこで制作された同写真集は幻のコピーブックとして知られ、写真集史においても特異な位置を占めている。2013年にはAkio Nagasawa Publishingより復刻版が刊行され、さらに2025年には、その精神を現代に発展させた企画として、ニューヨークのギャラリーで来場者がプリントをコピーし、その場で製本する参加型ワークショップも開催された。

本展では、『Another Country in New York』シリーズのオリジナルプリントを展示するとともに、Akio Nagasawa Publishingから刊行された同名写真集も販売する。同書には、オリジナル版に未収録のコンタクトシートが多数収められている。

展覧会と写真集を通して、森⼭が捉えた1971年のニューヨークを体感してほしい。 

「Yutaka Kikutake Gallery Roppongi」で、片山真理の個展が開催。イギリスの「ヴィクトリア＆アルバート博物館」に新たに収蔵された作品を含む新作群を、日本で初めて発表する。

精巧に手縫いされた布のオブジェを起点に、自身の身体性を中心的なモチーフとして、写真・映像・アートプロジェクトなど多領域にわたる作品制作を続ける片山。その作品は自伝的でありながら、社会が個人に課す「役割」や「かたち」が、私とあなたの境界、そして正しさをいかに形づくるのかを問いかけ、普遍的な共感を呼び起こしてきた。

本作「tree of life」は、片山自身が構築した鏡張りの空間で、自ら被写体となって撮影した10点に及ぶ写真作品だ。手縫いのオブジェに囲まれ、鏡面に反射するその輪郭は曖昧さを増し、そこに映るのが鏡像なのか実像なのかも判然としない。天と地、現実と虚像、内と外、自己と他者。鏡が生み出す反射はあらゆる境界を揺るがし、イメージが無限に増殖していくような感覚を立ち上げる。

キャリア初期から片山が抱き続けてきた、デジタルイメージの可塑性や複製性、終わりのない更新性への意識を深く反映した本作は、彼女がたびたび語る「所有されない身体」への希求にもつながっている。

「ギャラリー小柳」で、クリスチャン・マークレー（Christian Marclay）による個展「LISTENING」が開催。マークレーのオリジナルコラージュで構成される本展では、新作シリーズ「Concentric Listening」と「Eccentric Listening」を発表するほか、彼のアイコンといえるレコードジャケットを用いたシリーズ「Oculi」の最新作も展示される。

マークレーは1979年、レコードとターンテーブルを楽器として用いたパフォーマンスを開始し、実験音楽の分野で先駆的な存在となった。1980年代以降は即興的なパフォーマンスに加え、聴覚と視覚の関係を探る作品を、映像・写真・彫刻・絵画・版画など多様なメディアを横断しながら制作している。

コラージュは一貫してマークレーの創作の基盤にある。映像やサウンド、紙媒体の作品において、DJのように音楽や映画、漫画、雑誌などポップカルチャーの断片をサンプリングし、重ね合わせ、切り取り、再構成することで、新たなイメージを立ち上げてきた。

本展の新作シリーズは、「LISTENING」すなわち「聴く」という行為に焦点を当てている。音を聴く行為は、長年にわたりマークレーの創作活動を形作ってきた要素であり、音と映像の境界を曖昧にしながら、それらを一つの知覚の領域として提示してきた。

本展を通して、マークレーの現在地を感じてほしい。

「TOTOギャラリー 間」で、建築家・山田紗子の初個展が開催。ギャラリー空間を「環境」と捉え、自然、生物、ランドスケープなどが複雑な旋律を奏でながら共鳴する独自の世界を表現する。

自由な造形や大胆な構成、鮮やかな色彩、生命感あふれるインスタレーションなどを通じて、建築に新たな息吹を吹き込む山田。「2025年日本国際博覧会」（大阪・関西万博）では休憩所の設計を手がけ、樹木群と人工物が溶け合う環境を実現させた。近年は、観光牧場のリニューアルや公共図書館のプロポーザル最優秀者にも選ばれている。

山田は、野生動物を記録する映像ディレクターを母に持ち、大自然の中で命を営む生き物たちの情景を観ながら育った。彼女のルーツには、絶え間なく風景が移り変わる悠久の時間の中で多様な生命が奏でる、無数の歌声が響く大地がある。

「いくつもの歌が同時に響くような建築」を掲げる山田は、要素同士がぶつかり合いながら新たな調和を生むポリフォニー（多声音楽）の在り方を空間として立ち上げる。日々複雑さを増す世界を多声的と捉えて肯定しつつ、躍動感のある豊かな環境の創出を目指す。

なお、2026年5月29日（金）には山田による講演会も実施されるので、チェックしてほしい。

「フジフイルム スクエア」で、1970年代から活動を続ける写真家・潮田登久子の写真展「マイハズバンド」が開催。1970年代後半から1980年代にかけて撮影され、約40年の時を経て発表された同シリーズから、ゼラチン・シルバー・プリント作品約30点を展示する。

1978年に写真家の島尾伸三と結婚した潮田は、翌年から豪徳寺の古い洋館で家族と暮らし始める。古い洋館の2階中ほどにあった15畳程度の一室が家族の住居。風呂なし、台所は共有という環境の中、潮田は夫と幼い娘との日常を淡々とフィルムに収めていった。

それらのネガやプリントは長らく忘れられていたが、引っ越しの整理中にたまたま発見され、2022年に写真集『マイハズバンド』として刊行。国内外で大きな反響を呼び、再評価の契機となった。

写されているのは、家族の姿だけでなく、食器やカーテンといった身の回りの事物や日常の風景。作品は、どこか非現実的な気配をまといながらも、不思議な既視感を呼び起こす。

発表を前提とせずに撮られ、長い間熟成されていた写真は、記録であると同時に、撮影者の無意識な感情を率直に反映している。写真が内包する本質が、時間を超えて鑑賞者の前に立ち上がっていくだろう。 

「ライカギャラリー表参道」で、ポルトガル出身の写真家、テレサ・フレイタス（Teresa Freitas）による写真展が開催される。

色彩を主題に、ストリートやドキュメンタリー、ファインアートの領域を横断しながら独自の視覚言語を築いてきたフレイタス。彼女の作品は、色を単なる装飾としてではなく、空間を構築し、知覚を導くための根源的な力として捉える点において、現代写真に新たな視座を提示している。

本展では、異なる地域で撮影された写真を組み合わせたシリーズを紹介。「東」と「西」という大きな概念的枠組みを背景に、遠く離れた場所のイメージを並置することで、文化的な差異を強調するのではなく、色彩や光、形によって生まれる視覚的な連続性を浮かび上がらせる。

色彩がもたらす新たな知覚の在り方に触れられるだろう。

「KOTARO NUKAGA 天王洲」で、飯川雄大による個展が開催。鑑賞者の介入によって作品が成立し、展示空間に思いがけない風景を生み出す大規模なインスタレーションが展開される。

飯川はこれまで、多彩なアプローチで私たちの知覚の不確かさや日常のささいな違和感を視覚化してきた。2007年から継続して発表している「デコレータークラブ」シリーズをはじめ、公共空間や展示の仕組みに目を向け、観客の身体感覚や想像力、そして場の偶発性によって変容する作品群は、国内外で高く評価されている。

飯川が一貫して重視しているのは、鑑賞者自身が「同時に起きていることに遅れて気付く」という、他者とは共有しにくい体験。作品には、巨大な存在が風景に擬態して入り込んだり、作品が予期せぬ変化を遂げたりと、「場」と「観客」の行為によって異なる出来事が生まれる。

本展では、情報の曖昧さや私たちの感覚の不完全さを、欠落ではなく「想像のための余白」として捉え直す。鑑賞者の動きがきっかけとなり、小さな変化や偶然が連鎖して日常の輪郭が静かにずれていく瞬間を生み出していく。

なお、本展は「KOTARO NUKAGA Three」の2拠点で開催され、飯川の作品をより多角的に体験できる。さらに、同時期に開催中の「水戸芸術館現代美術ギャラリー」「Art Center NEW」「gallery αM （ギャラリー アルファエム）」とも連動。鑑賞者が複数の会場をつなぐことで、美術館やギャラリーの枠組みを超えた試みも実施されるので、チェックしてほしい。

「Gallery & Restaurant 舞台裏」で、アーティストユニットの「キュンチョメ」による個展「あいまいな地球に花束を」が開催。人間中心主義を超えた「新しい愛のかたち」を探求し、想像力とユーモアに満ちた作品を発表し続けるキュンチョメが、東京初公開の映像作品などを展示する。

ホンマエリとナブチによって結成されたキュンチョメは、東日本大震災を契機に活動を開始。本展の作品では、地球に向けた長い時間軸のまなざしと、愛や平和への希求が通底する。不完全さや「あいまいさ」を祝福する視点から、世界との新たな関係を結び直す、詩的でユーモアに満ちた空間を創出していく。

映像作品『Ghost in the Sea』では、人の形をしたビニール片が海を漂い、分解されることなく魚の群れの中をさまよう。その光景は、まるで自然環境と人間の関係性を暗示しているようだ。

また、タイトル作『あいまいな地球に花束を』では、世界各地の人々が記憶だけを頼りに描いた、不正確な地図を提示。正しさで輪郭を定めるのではなく、不完全さをそのまま受け入れることで、二項対立をほどくための視点を示している。

地球に身を委ねる感覚や、誰かの中にある曖昧な世界像に思いを巡らせる時間、あるいは、人間の寿命よりもっと長く存在し続けるものに寄り添う時。会場で、この「あいまいな地球」に満ちる思いを感じてほしい。

「ギンザ・グラフィック・ギャラリー」で、「TDC 2026 TOKYO TYPE DIRECTORS CLUB EXHIBITION 2026」が開催。1990年から続く、文字や言葉の視覚表現に焦点を当てた国際賞「東京TDC賞」の受賞作・ノミネート作を中心に、特に評価の高かった約120点を紹介する。

今回は国内外から3605作品が集まり、メインカテゴリーでは30人の審査員による長期審査を実施。さらにタイプデザイン部門、オンスクリーン部門の専門審査を経て、487の入選作、11の受賞作、63のノミネート作品が選出された。

文字の視覚表現という根底にあるテーマにふさわしい、最前線の作品を堪能してほしい。

「西村画廊」で、舟越桂（1951～2024年）の展覧会が開催。会場では、舟越が晩年まで手元に置いていた『言葉をつかむ手』（2004年）と、人間の英知を象徴する「本」に見立てた青いガラス板を額に掲げる『青の書』（2017年）の2体の像に加えて、ほとんどが初公開となるドローイング20点も紹介する。

人間という存在を多様にかたどった彫像の数々によって、彫刻史に消えがたい足跡を残した舟越。木彫彩色の半身像に大理石の目をはめ込む古典的な技法で生み出された作品は、時代の精神を宿した、既視感のない表現として国内外で高く評価された。さっそうとしながら孤愁を秘めたたたずまい、凛（りん）とした静けさ、繊細な知性をにじませる遠いまなざし――その叙情的で中性的な人物像は、彫刻表現の新たな地平を軽やかに切り開いた。

生涯にわたり、舟越は半身像と全身像を155点制作。初期の着衣像から、後年に「心象人物」と呼んだ、人体の形を超えて人間存在を豊かに表した作品、さらには人間世界を静かに見つめる半人半獣・両性具有のスフィンクスまで、その造形は絶えず展開を続けた。そこには、人間に対する思考やイメージの深まりが一貫して反映されている。

本展のドローイングは、木炭だけで勢いよく描かれた作品から、色鉛筆や水彩で細密に描き込まれたもの、代表作まで多彩に展示。一部には今回展示される2体の彫刻のためのドローイングも含まれ、彫刻との視覚的なつながりの中で、その魅力は一層際立つ。尽きない深みで観る者を魅了する舟越の世界を堪能してほしい。

「Bunkamura Gallery 8/（ブンカムラ ギャラリー ハチ）」で、死をタブー視せずポップかつポジティブに語り合いながら、新しい死生観を社会に広げるイベント「Deathフェス2026」との連携企画「祈りの輪郭」が開催。本展では、死と密接に結びつく「祈り」に着目する。

亡くなった人の死後の幸福を願う気持ちや、失くした大切な存在への感謝や焦がれる気持ち、あるいは今を生きる私たちが心の平安や明日への希望を求める時――その全てが祈りであり、今という時間を大切にしようとする意志でもある。

神の姿や形は文化や宗教によって多様であり、日本のように多様な信仰が混ざり合う社会では、地域や個人の心にさまざまな祈りの在り方が息づいている。目に見えないからこそ、その概念は多岐にわたり、人の数だけ祈りが存在するといえる。

本展では、そうした「祈りの対象」を、異なる価値観と表現を持つ8人の作家たちが、素材や技法を変えながら表現する。自身の感覚に静かに響く、思いがけない存在との出合いが待っているかもしれない。

「Gallery & Bakery Tokyo 8分」で、奥田雄太の新作個展「With Gratitude」が開催。春の訪れを感じる、鮮やかでみずみずしい花束の新作群を発表する。

近年、絵の具の流動や重なりといった「偶然性」を取り入れた花のシリーズを中心に制作する奥田。力強いストロークによる絵の具の動きと、ペンによる繊細な線描が同一画面で構成される表現が大きな魅力だ。

幼少期から、奥田がモチーフとして描いている花は､  感謝や思いを他者に伝える象徴的な存在として､ 自身の中にあり続けてきたものだという。色彩豊かな花々は､ 感情を押し付けたり､ 言葉で説明したりすることなく､ 鑑賞者に静かな余白と､ 感覚的な肯定をもたらす存在であってほしいと奥田は考える。

作品が生み出す華やかな空間へと足を運ぼう。

「eitoeiko」で、グループ展「桜を見る会」が開催。大洲大作、岡本光博、小宮りさ麻吏奈、三田村光土里、村田峰紀、フクモ陶器、藤井健仁が参加する。

本展は、内閣総理大臣の主催によって1952年から2019年まで「新宿御苑」で開かれた「桜を見る会」に着想を得て、2020年から同ギャラリーでスタート。政治と社会を巡る文脈を背景に、「文化の観桜会」として展開され、今回で6回目を迎える。

本展では、桜を軸に、落葉樹としての特徴や象徴性、風習や言葉を手がかりにした作品を展示。多様な分野で活動する作家たちが、それぞれの視点から「桜」や「桜を見る会」を立ち上げる。気軽に立ち寄ってほしい。