ゴールデンウィークに行くべき注目の芸術祭＆アート展

NHKの長寿番組「日曜美術館」は、1976年の放送開始以来2500回以上を重ね、2026年に50周年を迎える。これを記念し、「東京藝術大学大学美術館」では、番組が紹介してきた「美」の魅力に迫る展覧会が開催。西洋・日本の絵画や彫刻、浮世絵、びょうぶ、土器、伝統工芸などジャンルを横断する名品約120点を集め、5章構成で紹介する。

会場では、これまで番組に出演してきた人々の言葉を過去の放送から厳選して上映し、高精細映像とともに日曜美術館が紡いできた歴史をたどる。作品がどのように語られ、伝えられてきたのかを、当時の映像や言葉を通して追体験できるのも見どころだ。

大江健三郎が語るフランシス・ベーコン（Francis Bacon）、モデルであった矢内原伊作の視点から読み解くアルベルト・ジャコメッティ（Alberto Giacometti）など、多彩なゲストによる言葉と古今東西の作家と作品を紹介。さらに、村上隆、大野一雄、井浦新らの言葉とともに、縄文土器・土偶や伊藤若冲、曾我蕭白、葛飾北斎といった日本美術の名品が新たな輝きを放つ。

また、「作家の生き様と美～アトリエ＆創作の現場」と題し、制作の現場を捉えた貴重な映像も公開。作中の作家の言葉・作品が生み出される瞬間を、作品とともに味わえる。この機会を見逃さないでほしい。

「東京オペラシティ アートギャラリー」で、「拡大するシュルレアリスム 視覚芸術から広告、ファッション、インテリアへ」が開催。理性によって分断された現実を超え、新たな現実の可能性を探求する芸術運動・シュルレアリスム（超現実主義）の多様なジャンルの優品を一堂に集め、その広がりと社会への浸透を提示する。

シュルレアリスムには、違和感のある風景や夢幻的なイメージといった一定の表現傾向が見られるが、単なる様式ではなく、世界の変革を目指す共通の精神に基づくあらゆる創造行為を指す。そして、「日常を変えること」と「世界を変えること」を不可分なものとして捉えていた。

本展では、絵画、オブジェ、写真といった美術領域にとどまらず、広告、ファッション、インテリアなど日常生活へと拡張していったシュルレアリスムの展開を横断的に検証し、その発展と変遷をたどる。

会場には、サルバドール・ダリ（Salvador Dalí）、マックス・エルンスト（Max Ernst）、ルネ・マグリット（René Magritte）といった代表的作家の名品が大集結。とりわけ、マグリットの象徴的モチーフである山高帽の男を描いた『王様の美術館』や『レディ・メイドの花束』は注目作だ。

さらに、シュルレアリストたちと交流のあったデザイナー、エルザ・スキャパレッリ（Elsa Schiaparelli）による作品群も紹介される。ショッキングピンクのドレスをはじめ、独創的な意匠が施された香水瓶やジュエリーなど、多彩なデザインが並ぶ。

その革新的な視覚表現と広範な影響で、誕生から約100年を経た現在においてもなお、新鮮な驚きをもって受け止められている世界を堪能してほしい。

アイルランドの首都ダブリンにある文化施設「チェスター・ビーティー」には、アメリカの鉱山事業で成功を収めたアルフレッド・チェスター・ビーティー卿（Chester Beatty、1875～1968年）が収集した美術コレクションが所蔵されている。1917年に来日したビーティー卿は日本美術にも深い関心を寄せ、とりわけ物語絵においてはヨーロッパ屈指のコレクションを築いた。

同コレクションは1988～89年に東京・神戸・名古屋で公開されたほか、狩野山雪の『長恨歌絵巻』などの重要作品は「在外日本古美術品保存修復協力事業」によって修復された。このように、日本とアイルランドは継続的な文化交流を行なってきた。

「東京国立博物館」で開催される本展「アイルランド チェスター・ビーティー・コレクション 絵巻と絵本のたからばこ」では、その中から厳選された日本の物語絵25件を紹介。名品を通じて、美術がつないできた日本とアイルランドの関係にも光を当てていく。

「森美術館」で、革新的な素材や技法、表現方法を用いて具象彫刻の可能性を押し広げてきた現代美術作家、ロン・ミュエク（Ron Mueck）の大規模個展が開催。初期作品から近作に至るまで、作家の制作活動全体を包括的に紹介する。

人間を綿密に観察し、哲学的な思索を重ねて制作されたミュエクの作品。洗練され、生命感にあふれ、孤独、もろさや弱さ、不安、回復力といった人間の内面的な感情や体験を巧みに表現している。

総作品数が約50点しかないミュエクの彫刻を11点揃える本展は、それだけで貴重な機会だ。うち6点が日本初公開で、中でも初期代表作『エンジェル』（1997年）は見逃せない。

展示の中心となるのは、巨大な頭蓋骨の彫刻100点で構成されたインスタレーション『マス』（2016～2017年）。これまで世界各地で展示され、その都度会場に合わせて再構成されてきた作品で、同館でも約300平方メートルを使ったサイトスペシフィックな展示となる。

さらに、25年以上にわたりミュエクの制作現場を撮り続けてきたフランス人写真家のゴーティエ・ドゥブロンド（Gautier Deblonde）による写真と映像が並び、創作プロセスの舞台裏が垣間見える。

ルネサンス以降、西洋美術において作者の姿はしばしば作品として表されるようになり、とりわけ自画像は一般的な画題として広く定着していく。「国立西洋美術館」で開催される展覧会「アーティスト・バイ・アーティスト――西洋版画に見る芸術家のイメージ」では、自画像を含む芸術家の表象の変遷を、版画を中心とした約50点の作品を通してたどる。

造形作品に作者の姿が表れる背景には、社会における表現者の地位や在り方の変化がある。中世には匿名の職人に過ぎなかった彼らも、16世紀以降、制作行為を学問や科学と結びつけることで、創造の主体としての「芸術家」へと位置づけられていく。さらに19世紀には、芸術家は思考する「個」としての自覚を深め、孤高で苦悩する表現者として捉えられるようになる。

本展は、およそ18世紀までの芸術家のことを呼ぶ「オールドマスター」を扱う第1章と、19世紀以降の近代画家を扱う第2章で構成。各章は、集合的な芸術家像や理想像を扱う「制作する芸術家」と、個別の風貌を写す「自画像と芸術家像」の2つのセクションから成る。

多彩なイメージを通して、芸術家とは何者かを改めて問い直し、創造と自己表現の歴史を見つめる機会となるだろう。なお、2026年5月10日（日）・19日（火）、6月14日（日）は本展及び常設展の観覧が無料だ。

開館1周年を迎える「ハイパーミュージアム飯能」で、日本発のポップカルチャー「KAWAII」の第一人者・増田セバスチャンによる大規模展「KAWAIITOPIA -GO TO HEAVEN（HELL）-」が開催される。

見どころは、宮沢湖に出現する巨大なピンクの島「KAWAII-CORE ISLAND」。実際に島へと入り込むと、来場者にはアーティストからの最後の問いかけが待ち受けている。

入り口では、「私たちの皮膚の下には、カラフルな血が巡っている」をテーマにしたシリーズ作品の巨大タワー「Polychromatic Skin -Gender Tower-」が登場。ジェンダーをはじめとする無意識の固定観念を揺さぶり、それを超えてつながっていく可能性を提示する。

さらに館内では、増田の原体験をたどる没入型企画が展開され、葛藤の先にあるKAWAIIの本質に触れられる。生まれつき難聴の増田は、小学生で聴力を得るまで視覚を中心に世界を捉えてきた。その経験は強烈な色彩体験として記憶に刻まれ、作品世界の原点となっている。

そのほか、限定ポップアップストアや撮影ブースも設置。「KAWAIITOPIA」に上陸して、KAWAIIカルチャーを多角的に体感しよう。

幕末から明治期にかけて活躍し、現在も国内外で高い人気を誇る絵師・河鍋暁斎（1831～1889）。神仏画・戯画・動物画・妖怪画、さらには世相を映した風俗画まで、その画題は多岐にわたり、いずれにも卓越した画技と機知に富んだ発想が発揮されている。

即興で絵を描く席画を得意とし、書画会でもその場で揮毫（きごう）するなど人気を博したが、1870年、酔って描いた絵が問題視され逮捕・投獄される。翌年の放免後はさらに制作に励み、画業は全盛期を迎えた。

開国後は欧米でも注目を集め、フランスの美術品コレクター、エミール・ギメ（Émile Guimet）が著書で紹介したことで、その名は海外にも広まった。さらに、建築家のジョサイア・コンドル（Josiah Conder）らが弟子入りするなど、国際的な交流も生まれている。

「サントリー美術館」で開催される本展「ゴールドマン コレクション 河鍋暁斎の世界」では、代表作を含む約110点を展示。日本初公開となる肉筆画や、保存状態に優れた版画など、半数以上が初出品となる作品群を通して、暁斎の多彩な創作世界を紹介する。

「KOSAKU KANECHIKA」の天王洲および京橋の2会場で、平松典己による個展が開催される。作家の現在進行形の試みを紹介する本展では、天王洲ではドローイング約10点、京橋では絵画を中心に約10点を展示する。

平松は、あらかじめ特定のモチーフを定めることなく制作を開始し、抽象的な背景や即興的な筆致、重なり合う色彩によって生まれる混沌（こんとん）の中から、偶然と必然が交差する瞬間を探る。個人的な記憶や体験、想像、さらには美術史的な引用を横断しながら、人物などの具体的なイメージを事後的に立ち上げていくプロセスが特徴だ。

本展では、その表現を多角的に読み解く。タイトルの「汗と涙」は、これまで以上に身体的な実感を伴う制作の熱量を示すもの。静かに積み重ねられた判断とその痕跡が、試行錯誤の対話の果てにどのような像として結実するのかが問われる。

「ポーラ ミュージアム アネックス」で、「ポーラ文化研究所」の設立50周年を記念した展覧会が開催。現代の装いの源流ともいえる近代の化粧や美意識の変遷をたどりながら、今とこれからの美を問い直す。　

ポーラ文化研究所は1976年の設立以来、化粧を人々の営みの中で培われてきた文化と位置づけ、資料の収集と保存・調査研究・公開普及に取り組んできた。

日本の化粧文化史は、呪術的な要素が強い元始化粧期、中国の影響を受けた大陸伝来化粧期、日本独自の化粧が整えられた伝統化粧期、文明開化から昭和戦前までの近代化粧期、戦後から現在に至る現代化粧期の大きく5つに区分される。中でも約900年続いた伝統化粧期に対し、近現代はわずか約200年ながら、その変化の速度は著しい。

化粧の持つ社会性や、豊かで奥深い化粧文化の世界を垣間見ては。

「麻布台ヒルズ ギャラリー」で、韓国を代表するフォトグラファーのキム・ヨンジュン（Kim Yeong Jun）と、日本を代表するアートディレクターの吉田ユニによるコラボレーション写真展が開催。ともに数々の著名アーティストやブランドのビジュアルを手がけ、国内外で活躍する二人が、日韓のトップ俳優62人を撮影した作品群が展示される。

本展は「人間の最も本質的な美しさ」をテーマに、俳優たちをアートとして記録する壮大なプロジェクト。吉田が「花」をモチーフにディレクションを行い、キムが撮り下ろした。互いの美意識と視点が融合し、ポートレートを超えた「存在そのものの美」を描き出している。

本展での花は、美しさ・はかなさ・強さ・再生・感情・生命力など、人間の本質と重なる象徴として用いられ、俳優たちの表情や気配、内面はアートとして永続的に刻み込まれている。

「東京ミッドタウン デザインハブ」で、サインデザイン分野では初となる展覧会が開催。「過去・現在・未来」という時間軸を軸に、サインデザインが社会の中で果たしてきた役割と、その進化の軌跡をひもとく。

都市や建築、公共空間、商業施設、文化活動など、あらゆる場面において、人と人、人と場所、人と社会を結びつけてきたサインデザイン。その本質は、「環境における新しい価値観を、情報によって創出する」ことにある。

会場では、人類が古来より用いてきた情報伝達手段としてのサインを、11のコンテクストに分類。時代を象徴する77のプロジェクトに焦点を当て、コンセプトや写真、映像、模型、モックアップなど多角的な資料を通して読み解いていく。

さらに、サイン関連企業10社が同一形状の矢印サインに挑戦した展示では、それぞれの技術開発のプロセスと熱意を壁面展示として紹介。加えて、五十嵐威暢が手がけ、かつて「松本PARCO」の外壁に掲出されていたネオンサイン「P」の実物も公開される。

サインデザインが持つ多面的な魅力と、その可能性を体感できる機会となりそうだ。